Explicación de citas de poesía famosas

Los poetas han sido venerados a lo largo de la historia por su lenguaje emotivo y sus expresiones floridas; su uso del tipo de lenguaje es tan poderoso que pueden encapsular perfectamente un sentimiento con solo una o dos líneas. Pueden resaltar la belleza de un idioma en su forma más pura. Sin embargo, por muy hermoso que sea leer poesía, es muy fácil leer extractos sin tomarse el tiempo de analizar adecuadamente su significado previsto, o incluso de comprenderlo por completo.

En este artículo, buscamos explorar, en detalle, cuáles eran las verdaderas ambiciones del poeta en algunos de sus escritos más famosos, ofreciéndole una mayor comprensión de algunos de los más famosos citas de poesía a lo largo de la historia. Ya sea amor, pérdida o la belleza de la naturaleza, estos citas poéticas siguen resonando en los lectores, capturando emociones e ideas que trascienden el tiempo.

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¿Cuál es el significado de estas citas famosas?

Vamos a echar un vistazo a una selección de las citas de poesía más famosas de la historia, explicando exactamente lo que significan.

«La señora protesta demasiado, creo» - Hamlet, William Shakespeare

Shakespeare es uno de los dramaturgos más famosos que pudo expresar una enorme cantidad de complejidad, emoción y pensamiento en forma de una sola línea. Uno de los ejemplos más populares de esto lo encontramos en su obra Hamlet, en el verso: «Creo que la señora protesta demasiado».

Esta frase fue pronunciada por la madre de Hamlet, Gertrude, en el tercer acto, escena 2 de la obra, sobre la protagonista del mismo nombre, pero se ha convertido en una frase de uso frecuente en el inglés moderno. El significado de esta línea es bastante cínico e irónico, y se usa a menudo en referencia a alguien que exagera su negación, lo que sugiere que, en realidad, es culpable por alguna acción en particular.

En la obra original de Shakespeare, Gertrude usa la frase en una estratagema de Hamlet para ver si puede lograr que Claudio (rey de Dinamarca y esposo de Gertrude) admita haber asesinado a su hermano (el padre de Hamlet). Para ello, encarga a un grupo de actores que representen una obra en la que un rey es asesinado por su hermano y la reina se casa con el asesino, haciéndose eco de lo que Hamlet cree que ha sucedido en el mundo real que lo rodea.

Mientras ve la obra, Hamlet, sentado al lado de su madre, le pregunta qué piensa de la serie, a lo que ella responde: «Creo que la señora protesta demasiado», sugiriendo que no cree nada de eso porque la actriz que interpreta a la reina no es sincera con las escenas que la rodean; se esfuerza demasiado por convencer al público que la rodea de que es completamente ajena a la trama obvia de la obra, perdiendo su credibilidad como creyente personaje capaz.

Dicho esto, a medida que la obra continúa, las teorías de Hamlet pronto se confirman cuando Claudio sale corriendo de la habitación durante una escena en la que el rey es recibido por el fantasma de su hermano y describe su asesinato con detalles explícitos.

Como tal, la cita también se ha utilizado como una forma de referirse a la inconstancia de las mujeres, un tema al que se alude comúnmente durante Hamlet, y la protagonista en un momento dado exclamó: «¡Fragilidad, tu nombre es mujer!» Sin embargo, hoy en día, se usa más generalmente para expresar incredulidad ante las protestas de alguien sobre su inocencia ante algo de lo que se sospecha o se le acusa de ser culpable.

«Vagué solo como una nube» - Narcisos de William Wordsworth

Como uno de los principales escritores de los movimientos literarios románticos de finales del siglo XVIII, no es de extrañar que el clásico literario de William Wordsworth, «Narcisos», incluya algunas citas de poesía muy queridas que se han convertido en frases de fama mundial y comunes en el léxico de muchas personas.

Puede que nunca hayas oído hablar de «Narcisos», pero probablemente se deba a que el poema es mucho más conocido por la primera línea que lo hizo mundialmente famoso: «Deambulé solo como una nube». El poema denota las emociones espontáneas que sintió Wordsworth cuando él y su hermana Dorothy descubrieron un coro de narcisos danzantes en la bahía de Glencoyne, en el Distrito de los Lagos, aquí en el Reino Unido.

La famosa cita abre la primera estrofa del poema, en la que Wordsworth utiliza «Deambulé solo como una nube» para describir su estado mental antes de tropezar con el campo de los narcisos. La palabra «vagabundo» denota un estilo de movimiento sin dirección, en el que fuerzas externas influyen en la toma de decisiones. Este «deambular» se utiliza como una metáfora extendida de la vida del autor, despersonificándose a sí mismo como una nube que carece de dirección y sentido de valía.

Sin embargo, como se demuestra más adelante en el poema, cuando descubre el campo de los narcisos (a diferencia de él, personificados), «dorados» y «bailando con la brisa». Estos narcisos, escribe, «brillan en ese ojo interior» cuando «en mi sofá, me acuesto vacío o de humor pensativo». Para él, cuando recuerda los campos de narcisos, esta vivacidad de la naturaleza le brinda nueva inspiración, satisfacción y felicidad, algo que antes le faltaba.

Al compararse metafóricamente con un objeto (nube) y luego personificar la naturaleza (los narcisos), Wordsworth da a entender una unidad inherente entre la humanidad y la naturaleza, y cómo la naturaleza desempeña un papel importante en nuestras realizaciones diarias.

«La esperanza es lo que pasa con las plumas» - La esperanza es lo que pasa con las plumas, de Emily Dickinson

De los casi 1.800 poemas que escribió durante su vida, el poema de 1862, Hope is the Thing With Feathers, es el que le ha dado a Emily Dickinson fama y reconocimiento como escritora durante toda su vida.

El poema completo es bastante corto y dice lo siguiente:

«'La esperanza es lo que tiene plumas -

Eso se posa en el alma -

Y canta la melodía sin las palabras -

Y nunca se detiene, en absoluto -

Y lo más dulce, en el vendaval, se escucha -

Y la tormenta debe doler -

Eso podría humillar al pajarito

Eso mantuvo a muchos calientes -

Lo he oído en la tierra más fría -

Y en el mar más extraño -

Sin embargo, nunca, en Extremity,

Me pidió una migaja».

Lleno de lenguaje figurativo, este poema es una metáfora extendida que transforma el sentimiento de esperanza en un pájaro que vive para siempre en el alma humana. Esta metáfora está ambientada en la primera línea del poema y se ha convertido en una frase común asociada desde hace mucho tiempo a las aspiraciones personales de las personas, por muy «extremas» que parezcan a los demás.

Curiosamente, la primera palabra del poema recibe un énfasis especial con marcas de voz, como si la poeta quisiera definir la elusiva palabra «esperanza», lo que luego hace siguiendo su metáfora descriptiva.

A medida que avanza la estrofa, también lo hace la fuerza de las imágenes; la esperanza no solo es plumosa, sino que también tiene la capacidad de cantar, especialmente en momentos de dificultad. Pero la canción es más especial que cualquier otra canción del mundo, ya que no tiene palabras ni dicción que nadie pueda entender racionalmente, al igual que nuestras esperanzas y aspiraciones, a veces aparentemente racionales.

«Porque las palabras del año pasado pertenecen al idioma del año pasado, y las palabras del año que viene esperan a otra voz». - Little Gidding - T. S. Eliot

El poeta angloamericano T. S. Eliot fue sin duda uno de los escritores más influyentes del siglo XX y desempeñó un papel central en el desarrollo de la poesía modernista y en lengua inglesa.

Su poema, Little Gidding, fue el último de los cuatro poemas escritos por Eliot, conocidos como los Cuatro Cuartetos. Cada poema trata sobre el tiempo, la perspectiva, la humanidad y la salvación. A primera vista, puede considerarse un poema bastante llamativo sobre la religión, ya que combina imágenes del fuego y el Pentecostés para enfatizar la necesidad de purificación y purgación.

En el cuerpo del poema, el narrador se encuentra con un fantasma que es una combinación de varias figuras literarias a lo largo de la historia, como Dante, Swift y Yeats, que unen elementos del pasado, el presente y el futuro para comprender la necesidad de unidad en la salvación.

La frase: «Porque las palabras del año pasado pertenecen al lenguaje del año pasado y las palabras del año que viene esperan otra voz» es un debate sobre el tiempo y las acciones, y sobre la necesidad de nuevas perspectivas en nuevos períodos de tiempo.

A primera vista, indica que los dichos y comportamientos del año pasado pueden haber sido poderosos y relevantes para tomar buenas decisiones, guiando al autor en la dirección correcta. Sin embargo, el hecho de que funcionaran en aquel entonces no significa que se traduzcan bien en las situaciones en las que el autor se encuentra hoy en día.

Sin embargo, la línea es una discusión más amplia sobre la idea de nuevos comienzos, especialmente en los albores de un nuevo año y sus conexiones con la religión. Un nuevo año siempre trae consigo ideas de esperanza, frescura y novedad. Hay promesas en el aire y las aspiraciones y los objetivos suelen ser alentadores entre los celebrantes.

Eliot adopta esta idea de novedad y alienta a los lectores a convertirse en versiones más grandes y mejores de sí mismos para salvar las acciones del pasado. Está intentando decirle al lector: no se limite a seguir las mismas acciones (o palabras) que les han servido de mucho en el pasado, sino que imparta energía personal a las nuevas interacciones para convertirse en una versión aún mejor de sí mismo.

«No pases con suavidad esa buena noche» de Dylan Thomas

Dylan Thomas fue un poeta y escritor en prosa galés, conocido por crear obras que exudaban el encanto rapsódico y la compasión con sus lectores. Su poema anónimo, reconocido más comúnmente por su famosa frase: «No seas amable hasta esa buena noche» es una de sus obras más famosas, con una línea que aparece como estribillo a lo largo del poema.

Si lees el poema completo, pronto te darás cuenta de que el narrador utiliza la famosa frase «no seas amable hasta esa buena noche» para describir la experiencia de ver morir a su padre. Por lo tanto, el propósito principal del poema es pensar en la muerte o, más concretamente, en la naturaleza inevitable de la muerte y en las decisiones que podemos tomar en función de nuestras propias circunstancias.

Una vez que el orador se ha dado cuenta de que la muerte no se puede evitar, busca desafiar la idea. La famosa frase «no pases con cuidado esa buena noche» va seguida de «furia contra los que se apagan», en la que le dice al lector que no acepte la muerte de forma pasiva. En vez de eso, deben elegir cómo enfrentarse a la muerte.

Para Thomas, sugiere que la mejor manera de enfrentarse a la muerte es con fuerza y poder, dando a los moribundos una última oportunidad de abrazar la energía de la vida y triunfar sobre algo sobre lo que, en última instancia, no tenemos control alguno.

En este sentido, la frase de Thomas «no pases con suavidad esa buena noche» no trata de despedirse pasivamente. Sí, termina el poema con «buenas noches», sugiriendo el final de la vida, pero se trata más bien de darle a alguien la decisión final sobre cómo afrontar lo inevitable.

«No es oro todo lo que reluce» - El mercader de Venecia, William Shakespeare

Otra de las famosas citas de poesía de Shakespeare proviene de su obra del siglo XV, El mercader de Venecia. En realidad, la línea original se escribió diciendo «no es oro todo lo que brilla», en lugar de «no es oro todo lo que reluce». Sin embargo, hace mucho tiempo, el original fue reemplazado por la palabra «purpurina», que ahora se reconoce universalmente como cita.

La línea se lee en una nota del segundo acto, escena 7, cuya versión completa se encuentra a continuación:

«¡Oh, diablos! ¿qué tenemos aquí?

Una muerte carroñera, en cuyo ojo vacío

¡Hay un pergamino escrito! Leeré la escritura.

No es oro todo lo que reluce;

A menudo has oído decir eso:

A muchos hombres se les ha vendido la vida

Pero mi exterior para contemplar:

Las tumbas doradas envuelven a los gusanos».

El extracto aparece en la obra cuando Portia, una joven hermosa, educada y de alto rendimiento, se queda con una fortuna tras la muerte de su padre. Preocupado, antes de su muerte, por la posibilidad de que Portia fuera vulnerable a los caballeros que querían robarle su riqueza, estipula en su testamento que los pretendientes deben ser sometidos a una «prueba». La prueba: tres pretendientes tendrían que elegir correctamente uno de los tres ataúdes que contienen la imagen de Portia. Uno de los ataúdes está hecho de oro, otro de plata y el último, de plomo base.

Los pretendientes realizan la prueba con el primero, el Príncipe de Marruecos, y eligen el oro fundido para revelar una calavera y una carta de rechazo que incluye la cita «todo lo que brilla». Su preferencia por el oro y por las «cosas buenas» de la vida ha resultado engañosa, y Portia se alegra al ver que se marcha, diciendo «un dulce adiós». Por supuesto, según los deseos de su padre, es el pobre joven veneciano al que se le da la opción de llevar el ataúd de plomo el que termina casándose con Portia.

En este sentido, la frase «no es oro todo lo que brilla» expresa la idea, en forma de una bella metáfora, de que las cosas que a menudo parecen las más valiosas a simple vista, como el oro, suelen ser engañosas. Con frecuencia, son los objetos aparentemente más modestos de la vida los que producen cierto tipo de sustancia que los hace más valiosos.

Esta declaración universal ataca nuestras suposiciones consumistas modernas de que los materiales más bonitos y aparentemente obvios son los más gratificantes para nuestras vidas. Por el contrario, las «apariencias» más modernas, que se refieren tanto a objetos como a personas, suelen esconder el «oro» interior, que es lo que más nos sirve, valora y nos llena de satisfacción en la vida.

A pesar de que Shakespeare la popularizó en el siglo XV, la frase se remonta al siglo XII, cuando el monje francés Alain de Lille escribió «no sostengas todo lo que brilla como el oro» en Parábolas.

«Él era mi norte, mi sur, mi este y mi oeste» - Funeral Blues - W. H. Auden

«Él era mi norte, mi sur, mi este y mi oeste» es una línea del poema posiblemente más famoso de W. H. Auden, «Funeral Blues» o «Stop all the clock», como se le conoce comúnmente después de sus primeras palabras.

El poema de Auden saltó a la fama cuando fue citado en su totalidad en la película de 1994, Cuatro bodas y un funeral. La popularidad de la película llevó a la editorial de Auden, Faber and Faber, a publicar un pequeño folleto con sus poemas de amor, incluido este, que se convirtió en un éxito de ventas y batió récords de publicación de libros de poesía publicados en el Reino Unido.

El poema es una elegía, un homenaje al hombre al que amaba profundamente. Refleja la profundidad de sus sentimientos hacia el hombre anónimo y lo mucho que significaba para él, lamentando la pérdida de un amante.

La famosa cita poética: «Él era mi norte, mi sur, mi este y mi oeste», abre su tercera estrofa y se usa para dejar claro que el hombre al que describe lo es todo para el poeta. Como el norte, el sur, el este y el oeste cubren los cuatro puntos cardinales, la línea es otra forma de decir que ese hombre era el mundo de Auden.

«Pero aun así, como el polvo, me levantaré» - Aún me levanto, Maya Angelou

Reconocida como una de las escritoras más famosas de la historia, no sorprende que la poesía de Maya Angelou haya resistido el paso del tiempo y se utilice con regularidad en el lenguaje moderno.

«Still I Rise» es solo un ejemplo de sus inspiradoras obras. Basado en sus experiencias como mujer negra que vivió en Estados Unidos durante la primera mitad del siglo XX, alienta a los lectores a amarse plenamente a sí mismos y a perseverar en tiempos de dificultades y discriminación.

El poema lleva al lector a través de una serie de declaraciones que la escritora hace sobre sí misma, elogiando su fuerza, su cuerpo y su capacidad para avanzar y alejarse de su pasado personal e histórico. La oradora declara que no hay nada que pueda detenerla. Pase lo que pase, seguirá «elevándose» por encima de cualquier cosa que intente controlarla.

La famosa frase «pero aun así, como polvo, me levantaré» cierra la estrofa inicial del poema:

«Puedes escribirme en la historia

Con tus amargas y retorcidas mentiras,

Puedes pisotearme en la misma tierra

Pero aun así, como el polvo, me levantaré».

Sigue una larga lista de cosas desagradables, a menudo dolorosas, que la gente «podría» hacerle a la autora, para tratar de avergonzarla por lo que es. Pero, utilizando el símil «como polvo, me levantaré», declara abiertamente que nada puede impedir que viva su vida al máximo. En particular, el uso de la palabra «polvo», que a menudo se mueve con facilidad, sugiere que muy fácilmente se librará de cualquier comentario negativo y seguirá viviendo su vida como le plazca.

«Camina en la belleza, como la noche» - Ella camina en la belleza - Lord Byron

El poeta británico Lord Byron es reconocido como una de las figuras más destacadas del romanticismo, un movimiento artístico que arrasó en la esfera poética y literaria a finales del siglo XVIII y principios del XIX.

«She Walks in Beauty» es uno de sus poemas más cortos pero famosos, que busca captar el sentido y celebrar la belleza de una mujer anónima.

La primera línea, y quizás las dos líneas de poesía más famosas que Byron haya escrito, «camina en la belleza, como la noche», prepara el escenario para el resto del poema, comparando a esta mujer desconocida con el asombro y la belleza que provienen de un cielo nocturno despejado:

«Ella camina en la belleza, como la noche

De climas despejados y cielos estrellados;

Y todo lo mejor de lo oscuro y lo brillante

Encuéntrate en su aspecto y en sus ojos...»

Utilizando el símil, Byron indica que su belleza tampoco es puramente física, sino que es casi un aura, un inconsciente inocente que la rodea.

Es interesante observar aquí que el poeta describe la belleza de su amada como comparable a la noche, más que a la luz del día. De hecho, más adelante en el poema describe la luz del día como «llamativa». Este es un aspecto común de la poesía romántica, donde los escritores comparaban a las personas no solo con la naturaleza, sino también con la «naturaleza brillante». Especialmente en esta línea, Byron compara a su amante con el «brillante» cielo nocturno.

Esta asociación puede ser un guiño al ideal histórico griego, donde la belleza es tan fuerte que casi puede ser catastrófica. Por ejemplo, Helena de Troya, hija de Zeus, era una de esas bellezas; un ser divino cuya encantadora apariencia fue una causa indirecta de la Guerra de Troya.

Byron parece estar describiendo el amor de su amada de manera comparable a lo más alto de lo alto, lo que indica la fuerza de sus sentimientos y la adoración por la apariencia de esta mujer anónima.

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